Sunday, March 12, 2017

Jóvenes ocultos

"Eres un vampiro Michael. ¡Mi propio hermano se ha vuelto un vampiro de mierda! Ya verás cuando mamá se entere."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una familia se muda a la pequeña ciudad de Santa Carla, la cual está poblada de vampiros. Michael, el hermano mayor, es atraído por ellos e iniciará el proceso de convertirse en un vampiro, algo que su hermano Sam tratará de evitar.

NIÑOS PERDIDOS
Jóvenes ocultos (The lost boys, 1987) surgió de un curioso supuesto, ¿y si Peter Pan fuera un vampiro? Algo que se planteó James Jeremias, quien escribiría junto con Janice Fischer un guión basado esa premisa. La influencia de la obra de Barrie estaba muy presente en su primer borrador, algo que se iría perdiendo con las posteriores reescrituras, en aquel el personaje de David se llamaba Peter, los dos hermanos eran Michael y John (éste último fue cambiado a Sam finalmente) y la madre era Wendy. Y el libreto que finalmente escribieron difería del filmado en algunos aspectos, por ejemplo, los vampiros protagonistas eran un grupo de niños de unos 14 años al estilo Los Goonies, los hermanos Frog eran unos scouts de 8 años y Star era un niño en lugar de una chica.
El director Richard Donner, que ejercía como productor de la película, estaba interesado también en dirigirla, pero al extenderse su producción se decantó por rodar Arma letal (1987). Antes de eso dejó el germen del primer gran cambio en la película, aumentar la edad de los protagonistas de niños a adolescentes (algo que siempre se le ha atribuido exclusivamente a Joel Schumacher), posiblemente para no convertir a la película en los Goonies con vampiros.
Tras la marcha de Donner, el proyecto pasó por las manos de Mary Lambert (quien abandonaría la película por diferencias creativas) y de Richard Franklin. El director de Psicosis II: El regreso de Norman trabajó estrechamente con Jeffrey Boam (El chip prodigioso), encargado de reescribir el guión.
Según contaba Boam, "sentí que había una película oculta debajo de un montón de escritura innecesaria y la quitamos." El guionista además admitía que la versión escrita para Franklin era diferente de la estrenada en cines, "desarrollamos una película mucho más hetero que la que finalmente se hizo." Boam poco a poco fue abandonando la visión original de Peter Pan y convirtió la historia en una mucho más oscura, divertida y adulta. Además el guionista creó el personaje del abuelo y le dio más protagonismo a los Frog.
Joel Schumacher fue el elegido para dirigir la película y el camino marcado de hacer más adultos a los protagonistas se acentuó con la entrada del director de Un día de furia. Fue idea de Schumacher que los vampiros tuvieran la estética de un grupo de punk rock. "[Schumacher] quería hacerlo todo más moderno, llamativo, sexy y atractivo," declaraba Boam. Además el director también cambió el emplazamiento de la historia. "Originalmente era una película que tenía lugar como E.T. o Poltergeist en un suburbio y el quería deshacerse de todo eso," admitía Boam.
El reparto se llenó de caras conocidas que eran o serían estrellas juveniles de la época. Los papeles protagonistas de los hermanos Michael y Sam, recayeron en Jason Patric y Corey Haim respectivamente. El primero fue la única opción de Schumacher para el papel de Michael, Patric originalmente no quería hacer la película, ya que temía que fuera una exploitation de horror, pero tras seis semanas, el director consiguió convencerle. En el caso de Haim, Schumacher lo había visto en Lucas (1986) y aunque no estaba seguro de contratarle, cambió de idea cuando se reunió por primera vez con él.
La madre de ambos (Lucy) fue interpretada por Dianne Wiest, reciente ganadora de un Oscar por Hannah y sus hermanas (1986).
El papel del vampiro David, recayó en el por aquel entonces ascendente Kiefer Sutherland. Schumacher vio unos primeros planos del actor en la película Hombres frente a frente (1986) y aunque el look de Kiefer distaba de su imagen habitual (tenía el pelo teñido de negro), creyó que podría ser un perfecto David. Y vaya si lo fue.
Tras haber trabajado con Corey Feldman en Los Goonies, Donner lo llamó para unirse a la película, asumiendo el papel de Edgar Frog. Y el papel de su hermano Alan sería interpretado por Jamison Newlander, en su debut como actor y quien consiguió el papel tras hacer una audición (a lo que seguro que ayudó que conociese a Schumacher de una clase de actuación). El director les dijo a los dos actores que vieran todas las películas de acción del tipo Stallone y Chuck Norris que pudieran, para meterse así en sus personajes.
Para el papel de Star, el director había ideado el personaje como una chica rubia, pero finalmente fue contratada la morena Jami Gertz, tras una recomendación de Jason Patric, ya que ambos habían trabajado juntos en Guerreros del sol (1986).
Keenan Wynn y John Carradine fueron tanteados para dar vida al abuelo. El primero murió antes de empezar el rodaje y el segundo estaba demasiado enfermo. Al final el papel recayó en Barnard Hughes. El actor trabajaba por aquel entonces en la serie The Cavanaughs (1986-89) y sus productores permitieron que Hughes participase en la película.
Al resto de chupasangres que componen la banda de David les dieron vida, Brooke McCarter (Paul), Billy Wirth (Dwayne), Alex Winter (Marko) y Chance Michael Corbitt (Laddie). Y por su parte Edward Herrmann interpretó a Max, el interés amoroso de Lucy.

RODAJE
Producida por Warner Bros. y con un presupuesto de 8.500.000 de dólares, la fotografía principal comenzó el 2 de junio de 1986 y en su mayoría tuvo lugar en la ciudad de Santa Cruz (California). "Santa Cruz era la capital del asesinato en los Estados Unidos por aquel entonces. Con un montón de fugitivos, prostitutas y asesinos," recordaba Schumacher. "Tuvimos que cambiar el nombre a Santa Carla, porque Santa Cruz no quería ser recordada por eso." Para las escenas nocturnas de la ciudad, rodadas en su paseo marítimo, se contó con la participación de hasta 2.000 extras.
En la ciudad filmaron aproximadamente durante tres meses y medio, y el resto se rodó en los Warner Brothers Burbank Studios, donde se construyeron los decorados de la casa de la familia protagonista y la cueva de los vampiros.
"La guarida de los vampiros se diseñó como si fuera el vestíbulo de un hotel victoriano que se hundió en una gigantesca falla durante el gran terremoto de San Francisco de 1906," explicaba el director. "El vestíbulo del hotel contiene elementos arquitectónicos de distintas épocas. Nos ayudó a presentar a los vampiros de hoy sin hacerles perder su pasado mítico." La cueva de los lost boys se convirtió en uno de los elementos más recordados de la película.
Fue un rodaje bastante placentero para todos los implicados, aunque Jami Gertz guardaba algún mal recuerdo, "hay una [escena] en la que teníamos que subir por la escalera del acantilado que conduce hasta la cueva, junto al mar. La escalera no era muy segura, y las olas golpeaban muy cerca. Estuvimos toda una noche subiendo y bajando por ahí."
Peor suerte tuvo Kiefer Sutherland, quien mientras no rodaba, se rompió un brazo al caerse de una moto. Esa es la razón por la que lleva guantes durante toda la película, para así disimular la escayola que llevaba.
Ésta fue la primera película de "Los dos Coreys" y los dos actores hicieron de la suyas. Feldman probó la cocaína por primera vez durante el rodaje y después estaba tan fuera de si, que el director lo despidió. Al día siguiente Schumacher cambió de idea y lo readmitió. Por su parte, Haim confesó que fumó por primera vez maría durante el rodaje de esta película, iniciando una vida ligada a las drogas, que culminaría con su muerte en 2010 a los 38 años.
El apartado técnico de la película es sobresaliente. Los efectos de maquillaje corrieron por cuenta del gran Greg Cannom, cuyo diseño para los vampiros ha sido imitado miles de veces. Y los efectos visuales fueron responsabilidad de Eric Brevig (Desafío total), centrándose principalmente en el vuelo de los vampiros "[Schumacher] quería que los vampiros fueran capaces de volar velozmente y de repente pararse en el aire sin descender lentamente," explicaba Brevig. "Este tipo de efecto era físicamente imposible usando sólo arnés y rendaje. Para ello se usó una combinación de técnicas de pantalla azul y control de movimientos computerizado (que implica cambios de iluminación, movimientos de cámara y montajes ópticos)."
Uno de los apartados más sobresalientes de la película fue su banda sonora, compuesta por varios temas interpretados por algunos de los grupos más populares de la época. Podemos encontrar entre otros, "Good Times" y "Laying Down The Law" de INXS, la versión que Echo and The Bunnymen hizo de "People Are Strange" de The Doors y "Walk This Way" de Run-D.M.C. y Aerosmith. Pero si hay una canción que destaca, esa es "Cry Little Sister", compuesta expresamente para la película por Gerard McMahon, algo que hizo sólo leyendo el guión y sin ver ni un solo fotograma de la película.
La puesta de largo de la película fue el 27 de julio de 1987, con el estreno masivo en salas cuatro días después. Y resultó ser todo un éxito, recaudando en los Estados Unidos 32.222.567 de dólares. Y alcanzando el estatus de película de culto con el paso de los años.

ESCENAS PERDIDAS
En las versiones de vídeo doméstico de DVD y Blu-ray se incluyeron trece escenas que fueron eliminadas del montaje original. Son las siguientes:
Escena 1: Sam está ordenando sus comics sobre la cama, Michael entra y discuten por ver quien se queda la habitación.


Escena 2: La familia protagonista pasa su primera noche en la casa y Sam intenta que su madre y Michael bailen.


Escena 3: Michael sigue a Star y Laddie por el paseo marítimo, cuando consigue hablar con Star, aparece Sam y ella se va con la niña.


Escena 4: Michael encuentra un trabajo recogiendo basura de la playa y cree ver a Star, pero se trata de otra chica.


Escena 5: Lucy habla con Maria en el videoclub. Y después Michael y Sam le hacen una visita a su madre, el primero le da el dinero que ganó recogiendo basura, pero ella no lo acepta.


Escena 6: Una prolongación de la conversación entre Michael y Star en el paseo marítimo.


Escena 7: Una breve conversación entre Lucy y el abuelo, en la que el segundo le pregunta a su hija por Max.


Escena 8: Sam se encuentra en la casa con Nanook y observa como su abuelo diseca animales, después quema un poco de la maría que su abuelo tiene plantada y éste casi le pilla.


Escena 9: La mañana siguiente a su fiesta con los vampiros, Michael se comporta de forma extraña y Sam descubre que su hermano tiene sal en la planta de los pies.


Escena 10: Lucy termina de trabajar en el videoclub y los vampiros salen a su encuentro montados en sus motos, los cuales comienzan a circular alrededor de ella. Max llega y los lost boys huyen del lugar.


Escena 11: La cena entre Lucy y Max era originalmente más larga, y en la parte eliminada hablan principalmente sobre ella y su papel como madre.


Escena 12: Una versión más larga de la escena en la que Michael y Star se acuestan juntos.


Escena 13: Los hermanos Frog conocen a Michael. Edgar le pregunta si ha matado a alguien, para saber si ha completado su conversión en vampiro.

VALORACIÓN
Joel Schumacher creó una de las películas más entretenidas de los 80 gracias a estos vampiros adolescentes. Y es que Jóvenes ocultos aúna terror, comedia y aventura de una forma genial. Aunque algunos elementos de su estética han envejecido mal (esos mullets y ropas tan de la época), a grandes rasgos sorprende lo bien que se mantiene y lo disfrutable que sigue siendo. Y parece imposible que hoy día pueda hacerse una película juvenil con las dosis de sangre y violencia de ésta.
Su estética de videoclip la define como un producto de su época, siendo la perfecta representante del estilo visual imperante en la década de los 80, ahí está el rápido montaje con planos cortos, la fotografía llena de luces, la cámara lenta, el uso de niebla, los movimientos de cámara, la banda sonora llena de canciones (muy bien escogidas) y mucha pose por parte de los actores. Pero lo genial de todo, es que realmente funciona.
Todo su joven reparto está fantástico, y existe una gran química entre ellos, es patente entre Patric y Haim, o entre éste y los Frog. De los actores, el más recordado es Kiefer Sutherland, demostrando lo bien que se le dan los personajes oscuros. Por su parte, creo que Jason Patric y Jami Gertz pocas veces han estado mejor que en esta película. Aunque de todos, me quedo con Corey Haim, un actor malogrado que desprende un gran carisma a lo largo de la película y que demuestra la gran estrella que podría haber sido. Y no me olvido de esos robaescenas que son los hermanos Frog, una suerte de minirrambos cazavampiros, menos valientes de lo que ellos mismos se creen, que le dan un contrapunto cómico que le sienta muy bien a la película.
El guión está muy bien construido, con detalles como eliminar las sospechas sobre Max, para después resultar ser el villano principal, algo que le hace ganar puntos. La relación de los hermanos está conseguida y resulta creíble. Y no se olvida de introducir humor (como esa cena en la que Sam y los Frog tratan sin éxito de desenmascarar a Max), ni tampoco de los momentos terroríficos (la sangrienta muerte de Marko o el ataque a los surf nazis).
Si me tuviera que quedar con una parte de la película, sería con su memorable clímax final, la batalla en la casa, una especie de versión sangrienta de Solo en casa, llena de muertes antológicas y de momentos efectistas (la muerte de Paul con las cañerías explotando y soltando sangre, la iluminación en la muerte de David, la aparición sorpresa de Laddie, Max explotando).
La transformación de Michael en vampiro sirve de catalizador para mostrar los problemas por los que pasa el personaje (mudarse a una nueva ciudad, el divorcio de sus padres, que su madre salga con alguien nuevo, el conocer a una chica, las discusiones con su hermano), un resumen de lo difícil que es crecer, la transformación de un adolescente en un adulto. Los lost boys representan la rebeldía, la despreocupación, lo salvaje, estos tratan de atarle a la juventud eterna, a que no crezca. La lucha interna de Michael desemboca en su enfrentamiento con ellos, tomando así su decisión de dejar de ser un vampiro (adolescente) y convertirse en un hombre (adulto).
Al final todo deviene en la lucha de dos familias, una normal y amorosa (Lucy, sus hijos y el abuelo) y otra disfuncional (Max y los lost boys), saliendo triunfantes los primeros, demostrando que no hay nada más fuerte que una familia unida.
Junto con Noche de miedo, hizo por los vampiros lo mismo que Aullidos y Un hombre lobo americano en Londres por los licántropos, modernizar el mito de un monstruo clásico y hacerlo atractivo para las nuevas audiencias. Y su influencia puede verse, por ejemplo, en Buffy, cazavampiros, la cual le debe mucho.
La película modifica elementos que son parte del canon de los vampiros y les da una vuelta de tuerca. Estas criaturas duermen como animales colgados del techo y no en ataúdes. El proceso de convertirse en vampiro se hace a través de beber sangre de uno de ellos, no por un mordisco y uno no se convierte totalmente hasta que mata por primera vez. Y estos vampiros sí pueden reflejarse en los espejos (aunque sea parcialmente) y los ajos no les causan el menor efecto.
Un Schumacher más fino y divertido que de costumbre, demostró ser el director apropiado para el proyecto, creando algo nuevo y refrescante, una visión moderna de los vampiros. Además le imprime a la película un ritmo perfecto que siempre va a más, manejando bien la comedia y las notas de terror. Poco más se le puede pedir.
Y tal vez por lo limitado de su presupuesto (que luce de maravilla), Schumacher no hace un abuso de efectos visuales y utiliza otro tipo de recursos, como por ejemplo, crea con movimientos de cámara los vuelos de los vampiros, casi siempre mostrados mediante planos subjetivos, lo que le da un toque más artístico a la película.
Extremadamente entretenida, Jóvenes ocultos es uno de los clásicos indiscutibles del cine juvenil de los 80. Deja que hinque sus colmillos en tu cuello y cae bajo su influjo, se un lost boy más, te prometo que ser vampiro nunca fue más genial.

CURIOSIDADES
Los personajes de la película dicen el nombre de Michael aproximadamente 118 veces.
Sam (Corey Haim) tiene un póster de Rob Lowe en la puerta de su armario. Schumacher explicó que la razón era que él acababa de dirigir a Lowe en St. Elmo, punto de encuentro (1985).
Los nombres de los hermanos Frog, Edgar y Alan, son una referencia el escritor Edgar Allan Poe.
Jim Carrey fue considerado para el papel de David.
La película inventó las expresión "vamp out", la cual fue usada de forma común en la serie Buffy, cazavampiros (1997).
El orden en el que los vampiros saltan del puente predice el orden en el que morirán.
Tanto el escenario donde toca una banda al principio de la película, como la tienda de comics de los hermanos Frog, fueron destruidas en un terremoto en 1989.
Ben Stiller hizo una prueba para un papel sin especificar.
Brevemente se muestra que Laddie es el niño desaparecido que aparece en el cartón de leche que Lucy recoje del suelo.
Corey Haim y Brooke McCarter se llevaron tan bien durante el rodaje, que McCarter se convirtió en el agente de Haim a principios de los 90.
Fred Gwynne (el Herman Munster de La familia Monster) fue considerado para el papel de Max.
En la escena de la fiesta en la playa el cantante y saxofonista sin camiseta es Tim Capella, el saxofonista de Tina Turner.
En Arma letal (1987), cuando Riggs y Murtaugh caminan por la calle hablando de Hunsacker, se puede ver en la marquesina de un cine anunciada esta película como, "Lost Boys: This Year's Hit". Richard Donner fue el director de Arma letal y el productor de Jóvenes ocultos. Ambas películas se estrenaron en el mismo año.
En la escena de la cueva se puede ver un póster de Jim Morrison, quien cantó "People are Strange" con The Doors. Cuando Star y Laddie son llevados al cuarto de Sam, se puede ver un póster de Echo and the Bunnymen, quien grabó ese mismo tema para la película.
En el mismo año que se estrenó Jóvenes ocultos, lo haría también Los viajeros de la noche, que del mismo modo trataba sobre un grupo de atractivos vampiros que convierten a un joven en un medio-vampiro antes de ser curado. En ambas películas actúa un hijo del actor Jason Miller, en Los viajeros de la noche lo hace Joshua John Miller y en Jóvenes ocultos Jason Patric.
Prácticamente todas las escenas de Kelly Jo Minter fueron eliminadas, pero aún así se la puede ver brevemente en algún plano dentro del videoclub. De todas formas la actriz mantuvo su crédito por participar en la película. El resto de sus escenas pueden verse en las escenas eliminadas recogidas en las versiones de vídeo doméstico de la película.
Aunque Star es medio-vampira, nunca se la ve convertida en una criatura de la noche. 
La primera vez que Lucy entra en el videoclip de Max, puede verse en una estantería una cinta de Los Goonies (1985), la cual está protagonizada por Corey Feldman y dirigida por Richard Donner. Y en la misma escena, detrás de Max, encontramos un póster de la película sobre vampiros Mordiscos peligrosos (1985).
Cuando Sam está en la tienda de cómics le dice a los hermanos Frog que busca el número 14 de Batman. Es sabido que Schumacher fue el director de Batman forever (1995) y Batman y Robin (1997). Por su parte, Corey Haim fue considerado para dar vida a Robin.
El personaje de Dwayne, interpretado por Billy Wirth, nunca es mencionado por su nombre.
Pese a su atribulada juventud, Corey Haim declaró que la época del rodaje de la película fue, "uno de los mejores momentos personales de mi vida".
Antes del clímax final, Edgar dice que un vampiro puede morir de formas diferentes (queda mejor explicado en la versión original), unos gritan y otros lo hacen en silencio, unos estallan y otros implosionan. Los cinco vampiros mueren justo de esas cuatro formas, Marko muere gritando tras ser empalado, Paul se disuelve en la bañera para después provocar que las cañerías de la casa implosionen, Dwayne y Max explotan y David muere de forma tranquila tras ser empalado.
En la escena de la cueva, tras matar a Marko, los protagonistas tratan de huir y David agarra la pierna de Sam, quien lo acerca a la luz, lo que quema al vampiro, y justo después una lágrima cae por la cara de David. Al parecer la lágrima fue causada por las lentes de contacto que picaban terriblemente a Kiefer Sutherland. Al final decidieron mantener ese plano porque lucía bien y encajaba con la escena.
Hasta la fecha la película ha dado pie a dos secuelas directas a vídeo, Jóvenes ocultos 2: Vampiros del surf (2008) y Jóvenes ocultos 3: Sed de sangre (2010). En la segunda parte repetían Corey Feldman, Corey Haim y Jamison Newlander (aunque sus escenas fueron cortadas). Y en la tercera sólo Corey Feldman y Jamison Newlander.
La película contó además con una continuación en forma de cómic, The Lost Boys: Reign of Frogs, una serie limitada de cuatro números publicada por la editorial Wildstorm en 2008 y obra de Hans Rodionoff y Joel Gomez.
Ganó el premio Saturn a la mejor película de horror y fue nominada en las categorías de mejor actor secundario (Barnard Hughes), mejor interpretación de un actor joven (Corey Haim), mejor vestuario (Susan Becker) y mejor maquillaje (Greg Cannom, Ve Neill y Steve LaPorte).
El final original previsto era un poco diferente, después de la escena del abuelo en la nevera, se pasaría a una otra con los vampiros supervivientes reagrupándose en su guarida. El último plano sería de un mural en la pared de principios de 1900 en el que aparecería Max, con el mismo aspecto que en la actualidad. Este final aunque aparecía en un primer borrador del guión, fue finalmente descartado.
Kiefer Sutherland salía con una chica mientras rodaba la película y tras visitarla, el actor dormía en su coche fuera de los estudios de la Warner y cada noche un guarda de seguridad lo despertaba para que no llegase tarde al rodaje. Un día el guarda no apareció y Schumacher lo pilló in fraganti.
David muere empalado por un par de astas y no se desintegra como el resto de los vampiros. Supuestamente no estaría muerto, la idea era que reapareciera en la secuela, de titulo previsto "The Lost Girls". Se llegó a escribir el guión y contaba con la implicación de Schumacher, pero el proyecto no salió adelante.
Jeffrey Boam escribió el guión de esta película al mismo tiempo que escribía el de El chip prodigioso.
Requirió de dos semanas de preparación y rodaje, la escena de la "Death by stereo", que supone la muerte de Dwayne.

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Wednesday, March 01, 2017

Leyendas urbanas cinéfilas (IV): Marisa Tomei nunca ganó el Oscar

Tras el épico error cometido en la última ceremonia de los Oscars en la categoría de mejor película y que convirtió a La La Land en la ganadora del premio, para descubrirse sólo segundos después, que la verdadera premiada era Moonlight, es un buen momento para recuperar otro supuesto falso premio ocurrido 24 años atrás, cuando Marisa Tomei ganó su estatuilla a la mejor actriz secundaria por Mi primo Vinny (1992).
Para refrescaros la memoria, la noche del 29 de Marzo de 1993 estaban nominadas en dicha categoría Miranda Richardson, Joan Plowright, Vanessa Redgrave, Judy Davis y Marisa Tomei, las cuatro primeras eran actrices reputadas de larga experiencia y la quinta era por aquel entonces una joven poco conocida.
Jack Palance fue el encargado de presentar el premio y como es sabido la ganadora fue, para sorpresa de todos, Marisa Tomei, y eso que se daba como segura vencedora a Vanessa Redgrave por Regreso a Howards End.
Los rumores empezaron a correr desde aquel mismo instante, creyendo que Tomei nunca había ganado realmente el premio y que en realidad lo que había sucedido es que Jack Palance en un despiste, se limitó a repetir el último nombre de los cinco que había leído. Otra versión dice que Palance cometió ese error por estar borracho o drogado. Según esas malas lenguas, los organizadores de la ceremonia simplemente lo dejaron correr para no causar un incómodo escándalo.
Jugaba en contra de Tomei el competir con cuatro prestigiosas actrices, todas nominadas por papeles dramáticos, siendo la suya, la única interpretación en una comedia, la divertida, pero intrascendente Mi primo Vinny.
¿Es posible que alguien se lleve un Oscar por error? Tal y como se pudo comprobar en la última ceremonia, si se da la situación del nombramiento de un falso vencedor, los miembros de la (ahora impopular) casa Price Waterhouse (reguladora oficial de los votos de la Academia) y presentes en todas las ceremonias desde 1953, saldrían al escenario y declararían cual es el nombre del verdadero ganador, cosa que no sucedió en 1993. De modo que, Marisa Tomei sí se llevo el Oscar por méritos propios y no por un "regalo " de Jack Palance.
De hecho, la actriz sería de nuevo nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por En la habitación (2001) y El luchador (2008), ambas recibidas con todo merecimiento,
demostrando la excelente actriz que es. Pero su Oscar dio pie a una de la más curiosas y divertidas leyendas urbanas que haya dado el cine.

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Sunday, February 19, 2017

1989: El año de las películas submarinas

En ocasiones en Hollywood se produce la coincidencia del estreno de dos películas con la misma temática en un corto espacio de tiempo, como en los recordados casos de Un pueblo llamado Dante's Peak y Volcano1492: La conquista del paraísoCristóbal Colón: El descubrimiento, Armageddon y Deep impact Bichos y Hormigaz. Pero a finales de la década de los 80 se dio la situación de que seis películas que narraban historias bajo el mar, se estrenaron a lo largo de un año. Y así 1989, se convirtió en el año de las películas submarinas.
Se desconocen las causas del porqué de semejante coincidencia de estrenos de films tan similares, William Barboza en un artículo para la revista Playboy lo achacaba a dos sucesos, el encuentro de los restos del Titanic en 1985 y el accidente del transbordador espacial Challenger en 1986, el primero mostraría los océanos como un lugar misterioso, y el segundo los peligros del espacio, haciendo de éste un lugar poco atractivo para el público. Influyeran estos hechos en mayor o menor medida, lo más probable es que el éxito del cine de ciencia ficción imperante en la década y la necesidad de buscar nuevos escenarios, hizo que las productoras de Hollywood mirarán hacia el mar en busca de un nuevo lugar donde situar sus historias, y en 1987 se anunciaron el desarrollo de varias películas que verían la luz dos años más tarde.
Descubramos como fue este curioso fenómeno.

La primera película en llegar fue Profundidad seis (DeepStar Six, 13 de enero de 1989), dirigida por el responsable de Viernes 13, narra como el ejército quiere montar una base de misiles submarina y el equipo de excavación vuela una cueva, en la que se oculta una criatura marina de miles de años de antigüedad. Sean S. Cunningham empezó a desarrollar el proyecto en 1987 con la idea de que fuera la primera de las películas submarinas que estaban por llegar, cosa que consiguió. El guionista de la película, Lewis Abernathy, era amigo personal de James Cameron, y éste le pidió que retrasara el estreno de la película para no competir con Abyss, Abernathy no sólo no lo hizo, si no que lo adelantó varios meses, rompiendo su amistad con el director (la cual reanudaron durante el rodaje de Titanic). La película fue un fracaso de taquilla y la verdad es que no merecía más, ya que sigue todos los tópicos del cine de terror, con la diferencia que en esta ocasión el monstruo está en el fondo del mar. Olvidable y olvidada.

La siguiente en estrenarse fue Leviathan: El demonio del abismo (Leviathan, 17 de marzo de 1989) de George Pan Cosmatos, que nos narra la historia de un grupo de mineros (encabezados por Peter Weller) que se topa con un buque soviético que oculta un monstruo creado a partir de un experimento genético. Coincide con Abyss en estar protagonizada por mineros y en la idea de una tormenta que complica las cosas a los protagonistas, toma elementos de Alien y La Cosa y su final es idéntico al de Profundidad seis. Tal vez por eso nunca haya estado bien considerada y haya caído en el ostracismo, cuando se trata de un entretenido film de terror, escrito por David Webb Peoples (Blade runner) y Jeb Stuart (Jungla de cristal) y con una criatura obra de Stan Winston, quien rechazó trabajar en Abyss para participar en esta película. Como Profundidad seis, también fue un fracaso de taquilla, pero es un film bastante entretenido y claustrofóbico, que merece reivindicarse.

Roger Corman también se apuntó a la fiesta y produjo su propia película submarina, Los señores del abismo (Lords of the Deep, 2 de junio de 1989). Vendida como "la aventura submarina definitiva", viene a contar como en el futuro un laboratorio situado en el fondo del mar, es atacado por seres extraterrestres acuáticos. La película hace aguas por todas partes (dirección, guión, interpretaciones, etc) y no sólo es mala, cutre y carente de sentido, además es aburrida, que es lo peor que se puede decir de una película de este tipo, que además sólo dura 77 minutos. La peor película de la lista.

Las cosas no mejoraron con la siguiente película, la directa a vídeo La fosa del Diablo (The Evil Below, 1 de julio de 1989), dirigida por Jean-Claude Dubois, en su única película como director. Una joven desea encontrar el tesoro de un barco pirata hundido y para ello se alía con un barquero vividor, pero ambos desconocen que el barco está maldito. Es la única película de la lista que no está situada en una base o estación submarina y los momentos bajo el agua son clásicas escenas de submarinismo. Al conjunto se le añade un contrapunto diabólico de lo más ridículo, que la hace naufragar estrepitosamente.

Lo mejor estaba por llegar. James Cameron dio el do de pecho regalándonos ese espéctaculo memorable que es Abyss (The Abyss, 9 de agosto de 1989), película de una factura técnica que roza la perfección y que fue todo un salto de gigante en el campo de los efectos visuales. El director de Terminator nos sumerge en una fabulosa historia de encuentros en la tercera fase en el fondo de mar. El problema es que se estrenó cuando ya lo habían hecho antes cuatro películas de la misma temática, es decir, demasiado tarde. Así que todo su esfuerzo no se vio recompensado por la taquilla, ya que sus 90 millones de recaudación supieron a poco, teniendo en cuenta que su presupuesto era de 70 millones (lo que la convertía en la película más cara de la historia). Seguramente el estreno en tan corto plazo de tiempo de tantas películas de la misma temática acabo quemando el género antes de la llegada de la gran película que le debía dar nombre. Una lástima porque se trata de un film formidable, tan megalomaníaco como su director y que no ha perdido un ápice de su poder de fascinación. Recomendable ver en su versión extendida.

Y la última película en llegar fue La grieta (The Rift, 9 de marzo de 1990), que aunque data 1989, se estrenó al año siguiente. Tras llevar adelante Leviathan, Dino De Laurentiis decidió producir de forma no acreditada esta película, que no era más que una versión de bajo presupuesto del film de Cosmatos, pero muy bajo, si la primera costó 25 millones de dólares, La grieta sólo 1,3 millones. Todo se resume en un submarino experimental que va en busca de otro que se ha perdido en la grieta que da título a la película, lugar donde habitan todo tipo de monstruos. El inefable Juan Piquer Simón se hizo cargo de la dirección, el español no hablaba inglés y eso que la mitad del reparto era norteamericano (como curiosidad, podemos ver a Pocholo Martínez Bordiu en un pequeño papel). La película desprende un tufillo a serie B bastante grande y es de lo más absurda.

Así terminó este extraño fenómeno, que tan rápido vino como pronto se fue (al fondo del mar) para no volver.

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Wednesday, February 01, 2017

Trainspotting

"Elige la vida."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Cinco jóvenes de Escocia pasan sus días tomando drogas, las cuales se convierten en el centro de su vida. Sólo uno de ellos, Renton, parece ser lo suficientemente inteligente como para escapar de la adicción y tener un futuro.

RENTON Y CÍA.
En 1993, el escritor Irvine Welsh publicó su más famosa novela hasta la fecha, "Trainspotting". La cual leyó el productor Andrew Macdonald durante un vuelo en diciembre de 1993, después que un amigo le entregara una copia y de inmediato sintió que podría convertirse en una película. En febrero de 1994, Macdonald a su vez les entregó una copia a Danny Boyle y John Hodge, a quienes les había producido Tumba abierta (1994), su primera película aún pendiente de estreno. Sólo con leer la primera página Boyle ya sabía que quería realizar la película (el director aún conserva su copia de la novela a día de hoy).
Trainspotting sería algo diferente al mostrar la drogadicción, ya que según Boyle, "el problema es que la gente que hace películas sobre drogas las hacen jodidamente deprimentes. Queríamos hacer una película que realmente te diera el ímpetu de la cultura de la droga, sales y te lo pasas en grande y queríamos reflejar eso. Eso era lo más impactante de la novela porque se atreve a decir que es jodidamente maravilloso."
Irvine Welsh ya había recibido diferentes ofertas para adaptar su novela, pero las rechazó todas. Pero sí aceptó la de Andrew Macdonald y John Hodge por el entusiasmo que demostraron por el proyecto. Welsh sólo les puso una condición, que su enfoque no fuera el de un semi-documental a lo Ken Loach.
El principal problema para sacar adelante el proyecto vino por los derechos de la novela, los cuales pertenecían a la productora de televisión Noel Gay. Macdonald por su parte consiguió el dinero para financiar la película de la cadena de televisión británica Channel 4, quien pondría todo el presupuesto de la película. Tras varios meses de batalla por conseguir los derechos, todo se resolvió con un acuerdo con Noel Gay, la cual sería acreditada como productora y percibiría un porcentaje de los beneficios de la película, con la condición de no involucrarse en la película. 
En octubre de 1994, Boyle, Hodge y Macdonald pasaron mucho tiempo discutiendo que capítulos del libro debían trasladar a la película. Muchas de las historias y personajes del libro fueron descartados para crear un guión coherente. Hodge tuvo lista la primera versión en enero de 1995, trabajando en él incluso sin tener los derechos de la novela.
Fue idea de Hodge el mayor cambio con respecto a la novela, inicialmente la película no empezaba con voz en off de Renton recitando el famoso monólogo de "elige la vida", éste iba a mitad de metraje, pero cuando el guionista decidió cambiarlo al comienzo de la película, "todos tuvimos la impresión de que el asunto despegaba," declaraba Boyle.
El potente estilo visual de la película vino dado por la imposibilidad de adaptar la novela tal cual, ya que estaba escrita en (una imposible) jerga escocesa, "intentamos compensarlo con las imágenes, porque sabíamos que nunca seríamos capaces de reproducir ese sobrecogedor lenguaje, así que hicimos la película lo más excitante visualmente que fuimos capaces," recordaba Boyle.
La pre-producción duró 7 semanas. Hodge entregó el guión final en mayo de 1995, poco antes de empezar el rodaje.
Cuando Ewan McGregor leyó la novela, inmediatamente quiso interpretar a Renton. El actor, que ya había trabajado con Boyle en Tumba abierta (1994), tuvo una reunión con los cineastas, en la que expresó su deseo de dar vida al drogadicto. Como su imagen distaba mucho de la del personaje, recibió un rechazo inicial, pero McGregor pidió que le dieran seis semanas. Después de ese plazo, regresó con la cabeza rapada y con varios kilos menos siguiendo una dieta que consistía en no beber alcohol y no tomar productos lácteos (finalmente llegó a perder cerca de 13 kilos). El papel fue suyo, siendo el primer actor en sumarse al proyecto. McGregor se tomó muy en serio su trabajo y se preparó de forma concienzuda, leyó libros sobre heroína y crack. Además visitó en Glasgow la Calton Athletic Recovery Group, una organización para recuperación de adictos a la heroína. Le enseñaron a cocinar heroína con una cuchara usando polvo de glucosa. Incluso llegó a considerar inyectarse heroína para comprender mejor a su personaje, pero al final lo descartó.
Boyle oyó hablar de la interpretación de Jonny Lee Miller en la película Hackers, piratas informáticos (1995) y así consiguió una audición. El que se hiciese con el papel de Sick Boy tuvo mucho que ver con su facilidad para hacer un acento a lo Sean Connery.
Ewen Bremner previamente había interpretado el papel de Renton en una adaptación teatral de la novela, se hizo con el papel de Spud.
Aunque Boyle inicialmente pensó en Christopher Eccleston para el papel de Begbie, finalmente se lo ofreció a Robert Carlyle. El actor dio vida al personaje como si se tratase de un gay reprimido, cuyos estallidos de violencia se debían al temor a ser descubierto. Welsh estuvo de acuerdo con su interpretación, ya que en la novela le había dado una sexualidad ambigua al personaje.
Kevin McKidd debutó como actor en el mundo del cine dando vida a Tommy.
Y Kelly Macdonald consiguió el papel de Diane gracias al flyer que el equipo de la película repartió en el restaurante en el que trabajaba en Glasgow, cuando buscaban a gente para hacer una audición. De la docena de chicas que llegaron a la prueba final, Boyle se fijó en ella en un pasillo llevando un corte de pelo normal rodeada de muchas chicas glamurosas. "Lo supe de inmediato, antes que ella se sentara y abriese la boca, que ella era la elegida," recordaba Boyle. El director quería a una chica desconocida, de esa forma nadie podría saber que una chica de 19 años estaba interpretando a una colegiala de 1. Trainspotting significó su debut y la actriz todavía conserva el flyer.
El resto del reparto se compuso por Peter Mullan (en el papel de Swanney), James Cosmo y Eileen Nicholas (como los padres de Renton) y Susan Vidler (interpretando a Allison, la madre del bebé).

RODAJE
Partiendo de un presupuesto de 1,5 millones de libras (aproximadamente 2,5 millones de dólares), el rodaje comenzó en junio de 1995 con un plan de rodaje por delante de siete semanas (aunque la fotografía principal duró sólo 35 días). Pese a que la acción acontece en Edimburgo, la película se rodó en Glasgow. Aún así en la capital de Escocia rodaron durante un par de días (la escena de la persecución inicial). La oficina de producción estaba en una fábrica de cigarrillos abandonada de Glasgow, lugar que también se convirtió en el estudio donde se construyeron los decorados para la película (rodándose en ellos durante 3 semanas).
Fue un rodaje rápido sin demasiados contratiempos. Uno de los pocos fue rodar la escena en la que Renton es atropellado por un coche, la cual tuvo que repetirse aproximadamente hasta veinte veces y requirió de dos horas en rodarse.
Y filmar de noche trajo también sus dosis de dificultad, ya que en Escocia en el mes de junio, las noches son muy cortas. "La luz del día no se iba hasta las 11 de la noche y no regresaba hasta la 4 y media de la mañana, lo cual te da sólo una pocas horas de oscuridad," explicaba Boyle.
La escena de sexo entre Renton y Diane no estuvo exenta de inconvenientes. Para empezar, Kelly Mcdonald en su ingenuidad, invitó a su madre y a su hermano al set durante el rodaje de la escena. Y en el momento de rodarla, cuando la actriz se quita la ropa, McGregor tuvo una erección real y todo el equipo tuvo que salir de la habitación y darle un minuto al actor.
Por su parte, el departamento de maquillaje hizo maravillas teniendo en cuenta el bajo presupuesto de la película, como lo demuestra el brazo protésico que construyeron para los primeros planos de Renton inyectándose heroína. Estaba tan conseguido que tenía venas, marcas de pinchazos y pequeñas bolsas de sangre, para que cuando McGregor se pinchara, apareciera la sangre.
En julio, con el rodaje ya terminado, comenzó la post-producción. El montaje al cargo de Masahiro Hirakubo requirió de ocho semanas en completarse.
La banda sonora de la película se convirtió en uno de sus puntos fuertes. Doyle se preocupó de constituirla íntegramente a base de canciones, algunas tan grandes como "Lust for Life" y "Nightclubbing" de Iggy Pop y "Perfect Day" de Lou Reed (las tres cedidas a la película por David Bowie, productor de los tres temas y compositor de las dos primeras). Pero no hay que olvidar, "Atomic" de Sleeper (ligada para siempre a la escena de sexo entre Renton y Diane), "Sing" de Blur, "2:1" de Elastica o "Born Slippy" de Underworld.
PolyGram Film Distribution se hizo con los derechos de distribución de la película para Reino Unido, Francia, Bélgica, España, Holanda y Australia. La productora tenía tanta confianza en la película que invirtió en ella 800.000 libras para promocionarla (algo inaudito para un film tan pequeño). Miramax por su parte se encargó de la distribución en Estados Unidos.
Trainspotting fue todo un éxito crítico y comercial. En el apartado de premios destaca su nominación al Oscar en la categoría de mejor guión adaptado (John Hodge). Y además ganó el premio BAFTA al mejor guión adaptado (John Hodge) y fue nominada como mejor película (Andrew Macdonald y Danny Boyle). En los BAFTA escoces ganó en las categorías de mejor película (Andrew Macdonald, Danny Boyle y John Hodge) y mejor actor (Ewan McGregor), siendo además nominada como mejor actor (Robert Carlyle), mejor actriz (Kelly Macdonald) y mejor guión (John Hodge). Y la Writers Guild of America también nominó a Hodge por su guión.
Y la taquilla le dio el espaldarazo definitivo. En Reino Unido recaudó 12.300.000 de libras, convirtiéndose en la producción británica más taquillera del año en su país de origen. En los Estados Unidos se hizo con 16.491.080 de dólares. Siendo su recaudación final a nivel mundial de 72 millones de dólares, convirtiéndose no sólo en la película británica más taquillera de 1996 en todo el mundo, si no también en la película más rentable del año.

ESCENAS ELIMINADAS
Existen hasta 9 escenas eliminadas que han sido recogidas en las ediciones de DVD y Blu-ray de la película, todas las escenas suman poco más de 9 minutos de metraje inédito. Según Boyle, "cortamos escenas porque nos daban demasiada información o se centraban en personajes que no eran el centro de la narrativa." Son las siguientes:

1. Escena 1: Renton y Sick Boy juegan a hacerse preguntas sobre películas de James Bond.


2. Escena 2: Renton asiste a una entrevista de trabajo, en la que explica su adicción a la heroína, y las estafas y hurtos que practica, para no conseguir el trabajo.


3. Escena 3: La entrevista de trabajo de Spud era originalmente más larga, Spud habla sobre su amistad con Begbie y como éste una vez le dio un puñetazo en la cara.


4. Escena 4: Renton, Spud y Sick Boy están robando en una tienda y son descubiertos por Diane, lo que llama la atención de los guardias de seguridad que comienzan a perseguir a los tres jóvenes (y que da pie a la escena inicial).


5. Escena 5: Renton visita a Swanney en el hospital después que le hayan amputado una pierna.


6. Escena 6: Renton y Sick Boy están sentados en el parque hablando sobre la Swanney y mencionan que Tommy tiene SIDA, entonces Sick Boy suelta un discurso sobre su visión del mundo.


7. Escena 7: Durante un partido de fútbol, Renton y Diane hablan sobre como él y sus amigos trapichean con las drogas. Diane por su parte le cuenta que tiene novio.


8. Escena 8: Al llegar a la estación de autobuses, Renton pasa al lado de un mendigo que pide limosna y porta un cartel en el que se puede leer, "Veterano de Falklands. Perdí mi pierna por mi país. Por favor, ayuda." El mendigo es Swanney. Mientras, Begbie y Spud están esperando delante del autocar por el resto y el primero está enfadado. Los cuatro protagonistas se reúnen y cuando van a entrar en el autobús Begbie tira al suelo a Spud de un empujón.


9. Escena 9: Tommy y Spud están sentados en la calle pidiendo limosna y el primero discute con el segundo sobre las maravillas de Australia.


Al parecer existen varias escenas eliminadas más y que no han sido incluidas en las ediciones de vídeo doméstico. Son las siguientes:
1. Renton y Sick Boy colocan un rifle entre los arbustos del parque mientras escuchan el tema original de Los vengadores.
2. Renton se acuesta en una camilla en un pasillo del hospital y momentos después alguien trata de robarle su manta.
3. Los padres de Renton lo sacan del hospital.
4. Begbie llega al apartamento de Renton en Londres.
5. Begbie en el apartamento de Renton habla sobre carreras de caballos.
6. Más momentos de la entrevista de trabajo de Spud.
7. Renton, Sick Boy, Begbie, Spud y Tommy le llevan a un amigo suyo las cosas que le robaron al turista americano. Después se ve a su amigo vistiendo la ropa del americano y tratando de sacar 500 libras de la tarjeta de crédito que también le robaron.
8. Renton, Spud, Tommy y Sick Boy en el tren de camino al campo.
9. Renton baila con su madre un tema de "Culture Club" en el local donde sus padres suelen ir.
10. Begbie, Sick Boy y Spud saquean una casa ajena. Sick Boy lleva una máscara de calavera de la cubierta de un libro.
11. Cuatro tomas diferentes mostradas desde tres ángulos de cámara distintos, del momento en el que Renton y Spud roban el televisor del asilo.
12. Once tomas diferentes mostradas desde cinco ángulos distintos, de la escena eliminada en la que Renton visita a Swanney en el hospital.

VALORACIÓN
Trainspotting es la obra maestra de Danny Boyle, dotada de una energía y fuerza imparables, donde las imágenes van más rápido de lo que nuestro cerebro puede procesar. La puesta en escena está dotada de una gran imaginería por parte de su director, con la máxima de un plano, una idea (hay algunas elipsis que son oro puro). Además Boyle imprime a la película un estilo sucio, que refleja a la perfección ese mundo enfermizo en el que viven los protagonistas, consiguiendo que continente y contenido casen a la perfección. El Oscar que el director no ganó por esta película, se lo llevaría años después por Slumdog millonaire, pero éste sigue siendo su mejor trabajo.
Los actores están todos fantásticos, parece que hayan nacido para interpretar a sus personajes. McGregor nunca ha estado mejor que siendo Renton. Robert Carlyle es todo un robaescenas. Y Kelly Macdonald se convirtió en la perfecta lolita de toda una generación.
Trainspotting nos mostró por primera vez y con todo lujo de detalles, como era el mundo de las drogas; desde el éxtasis, hasta el viaje a los infiernos. Y la película lo hizo de una forma tan directa como una inyección en vena. Hay momentos crueles como los de la muerte del bebé (que parece sacada de una película de terror), el proceso de desintoxicación de Renton (ídem) o el ver a Tommy consumido por las drogas. Y otros joviales y divertidos como el de Spun y la sábana en el desayuno o aquel en el que Renton descubre que Diane es menor de edad.
En el microcosmos de Trainspotting hay amistades que matan más rápido que una bala, padres que por no hacer nada son parte del problema, los que quieren dejar una adicción son adictos a volver a ella, los jóvenes viven para drogarse y se drogan para vivir. Así es ese mundo y así se nos muestra. La lección está clara, deja a un lado las drogas y elige vivir la vida.
Y es que aquí tenemos todas las posibilidades, el que consigue salir de ese mundo (Renton), el que acaba metido por juntarse con malas compañías (Tommy), el camello (Sick Boy) y el que es un mediocre sin futuro y siempre lo será (Spud).
Pero la película no muestra sólo las consecuencias para los drogadictos, si no también para los que los rodean, su familia, parejas y conocidos. Los padres de Renton sufren al ver a su hijo consumido por las drogas, el bebé de Allison acaba muerto y Lizzy nunca volverá con Tommy por ser un adicto.
Vemos la película a través de los ojos de Renton y así nos metemos en la mente de un drogadicto (por eso está de lo más justificada la voz en off). Comprendemos mejor su mundo, desde lo mucho que disfruta con las drogas y que haría cualquier cosa por conseguirlas (como ejemplifica esa memorable escena en la que mete por el váter más sucio de Escocia), hasta como se siente uno cuando las drogas son el centro de su universo particular (es desolador el momento en el que todos deciden meterse heroína tras encontrar al bebé muerto, para así no sentir dolor).
En el fondo queremos que Renton se salve, pero para ello primero debe escapar de sus amigos, algo que no resulta fácil. Cuando su vida parece encauzada en Londres, ellos hacen acto de presencia para ponerla patas arriba. La escena final en el bar demuestra la distancia que les separa, y como Renton sí tiene posibilidad de escape. Ese primer plano de Renton con sus tres amigos detrás saliéndose de madre, lo refleja a la perfección, entendemos que la única forma que tiene de sobrevivir es huir de ellos, por eso nos gusta tanto verlo traicionarles (es impagable su mirada final con Spud).
Aunque el desenfoque del plano final tal vez no signifique un final feliz, ¿cuántas veces Renton ha dicho que dejaría las drogas para después volver a ellas? Ese desenfoque significa que su futuro es incierto y que en sus manos está el no volver a atrás y tener una verdadera vida.
Creo que la relación entre Renton y Diane no está lo suficientemente desarrollada, se eliminaron varias escenas que hubiera ayudado a ella. Cuando Renton se marcha a Londres, parece que de pronto ella se ha enamorado de él y que su relación es muy profunda, además le habla de sus amigos, pero en ningún momento se ha mostrado como los conoce. Creo que un poco más de desarrollo le habría venido bien. Pero es una pega menor en una gran película.
Y la banda sonora requeriría de un apartado propio para ella sola. Como en el resto de su filmografía, Doyle llena la narración de temas que encajan como un guante con las imágenes y el tono del film, creándose un todo indivisible. Es imposible no escuchar "Lust for Life" y "Born Slippy", y no pensar automáticamente en Trainspotting.
Trainspotting fue La naranja mecánica de los 90 (un referente directo de Boyle a la hora de realizar su película). Si el film de Kubrick lo era todo sobre la violencia, el de Boyle fue el aquí y ahora del mundo de las drogas y como aquella, nos lo contaba de una forma visualmente rompedora y única. Y además Trainspotting termina como la novela de Anthony Burgess, con su protagonista aceptando las normas impuestas por la sociedad y dejando a un lado la violencia/drogas, dando así el paso para convertirse en una persona normal más.
Adictiva como pocas, Trainspotting sigue siendo LA película sobre las drogas, la más real, la más auténtica, la más dura. Un puñetazo en el estómago. Un grito de advertencia. ¿Queréis un consejo? Elije la vida, elije Trainspotting.

CURIOSIDADES
Del reparto principal, el único no escocés es Jonny Lee Miller.
Debido al bajo presupuesto de la película, muchas de las escenas tuvieron que ser filmadas en una sola toma.
El videoclip "Sabotage" de los Bestie Boys que dirigió Spike Jonze, fue una gran inspiración para Danny Boyle para la secuencia inicial de la película.
Jonny Lee Miller tiñó su pelo de rubio para participar en la película y eso que en la novela Sick Boy tiene el pelo negro.
En el libro, Begbie es un alto e intimidante tío grande.
La escena del váter es una referencia a la novela "El arco iris de gravedad" de Thomas Pynchon.
El bigote de Begbie está inspirado en el del delantero del Liverpool, Ian Rush.
Es por todos aceptado que el bebé murió de hambre o deshidratación.
La escena de sexo entre Ewan McGregor y Kelly Macdonald tuvo que ser recortada unos segundos para su estreno en América, ya que la joven, una colegiala, parecía disfrutar demasiado.
Para la escena del váter por el que termina metiéndose Renton, las heces se hicieron con chocolate y pese a lo desagradable del set, olía bastante bien.
Está incluida en el libro "1001 películas que hay que ver antes de morir" de Steven Schneider.
Sick Boy, el personaje que interpreta Jonny Lee Miller está obsesionado sobre las curiosidades de James Bond. Miller es el nieto de Bernard Lee, que fue "M" en la saga de 007.
Las palabras escritas en las paredes del Volcano Nightclub son las mismas que la del Moloko Bar de La naranja mecánica (1971).
Danny Boyle utilizó gemelos para dar vida al bebé de Dawn.
La película creo una gran controversia en los Estados Unidos en el momento de su estreno. El senador Bob Dole arremetió contra ella alegando que hacía una exaltación del uso de drogas, pero después admitió que no había visto la película.
El equipo de fútbol fotografiado en los títulos de crédito iniciales es el Calton Athletic Club, quienes son auténticos consejeros sobre adicción a las drogas y fueron los consultores principales de la película.
En la escena en la que Begbie está en el piso de Renton en Londres hablando de apostar a los caballos, el segundo está leyendo un libro sobre Montgomery Clift, quien tuvo muchas experiencias con las drogas.
Ewan McGregor fue contratado para dar vida a Renton, ya que Boyle quería un actor con el carisma de Michael Caine en Alfie (1966) y Malcolm McDowell en La naranja mecánica (1971).
Para la escena en la que Renton desciende en el suelo después de una sobredosis de heroína, el equipo de la película construyó una plataforma bajo el suelo que permitía subir y bajar a Ewan McGregor.
Primera y última película del presentador de televisión Dale Winton.
El apellido de Tommy en la novela era Lawrence, pero en la película fue cambiado por Mackenzie.
Existen varios cameos en la película. Irvine Welsh, el autor de la novela, es Mikey Forrester, el camello de Renton. El guionista de la película, John Hodge es uno de los guardas de seguridad de una tienda que persigue a los protagonistas al comienzo de la película. Y Andrew Macdonald, productor de la película, es el posible comprador de la casa victoriana que Renton trata de vender.
La banda sonora de la película incluye dos temas titulados "Temptation", uno de Heaven 17 y otro de New Order.
Dado el bajo presupuesto de la película Danny Boyle tuvo que tirar de ingenio para resolver ciertas situaciones, por ejemplo, en la escena en la que Renton dispara a un perro con una escopeta de balines y éste se vuelve loco, el director lo consiguió simplemente colocándose fuera de plano y gritando al perro.
El British Film Institute la situó en el puesto número de 10 de su lista de mejores películas británicas.
Para el mercado americano, los actores volvieron a grabar los primeros 20 minutos de diálogo suavizando sus acentos, para que el público americano pudiera acostumbrarse al dialecto escocés.
Los colores de los cuadros de Francis Bacon influenciaron a Danny Boyle para darle a la película su look único. Según el director las obras de Bacon representaban, "una especie de tierra intermedia, parte realidad, parte fantasía."
Kevin McKidd (Tommy) estaba de vacaciones cuando hicieron las fotos promocionales para la película, esa es la razón por la que no aparece en ninguno de los posters de la película, pese a ser uno de los personajes principales.
Antes de ser guionista, John Hodge fue doctor y trató frecuentemente con adictos a la heroína. Algunas de sus experiencias fueron incluidas en el guión de esta película, como por ejemplo el momento en que los protagonistas roban el televisor de un asilo.
Existen en la película varias referencias a los Beatles. La escena en la que los cuatro protagonista cruzan una calle y entran en un hotel es un homenaje a la portada del álbum "Abbey Road". La escena en la que Renton y los demás escapan corriendo de los guardas de seguridad es una reminiscencia a ¡Qué noche la de aquel día! (1964) en la que los Beatles eran perseguidos por sus fans. Mientras pasa el tren, los cuatro protagonistas se colocan de la misma forma que los de Liverpool en la parte trasera del álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". La escena en la que Renton envuelto en una manta en la casa de Diane dice hola a alguien que pasa por el pasillo, es una referencia a un momento de ¡Socorro! (1965), en el que Ringo está en el maletero de un coche también cubierto con una manta y al ser encontrado dice hola. La frase "Welcome to Mother Superior's" escrita en la casa del Swanney es una referencia a la canción "Happiness is a Warm Gun", la cual trata sobre la heroína y que incluye la frase "mother superior jump the gun".
Danny Boyle preparó a sus actores haciéndoles ver películas antiguas sobre jóvenes rebeldes como El buscavidas (1961), El exorcista (1973) y La naranja mecánica (1971). Esta última es homenajeada directamente en la escena del club Volcano, inspirado en el Milk Bar del film de Kubrick.
Supuestamente Diane tenía que cantar "Golden Years" de David Bowie en la escena del día después de acostarse con Renton, pero finalmente cantó "Temptation" de New Order, ya que Bowie no les permitió a los responsables de la película el uso de la canción.
La frase de Renton "no existía entidad alguna llamada la sociedad," que dice después de mudarse a Londres, fue dicha por Margaret Thatcher.
La escena de Renton y Sick Boy en el parque con el rifle de aire comprimido, estaba previsto que sonara el tema de Misión imposible, pero como Tom Cruise estaba realizando la primera entrega de la saga cinematográfica, los derechos de la misma eran muy elevados (aproximadamente tres veces el presupuesto de la película). Como curiosidad tanto McGregor como Lee Miller tenían resaca cuando hicieron la escena.
Aunque se eliminaron varios personajes de la novela a la hora de realizar la película, muchas situaciones se mantuvieron en la película aunque pasaron a otros personajes. La escena del desayuno escocés de Spud, originalmente le sucedía a Davie Mitchell. La adicción a las drogas y muerte de Tommy, pertenecía a Matty Connell. El personaje de Spud cogió rasgos de Rab "Second Prize" McLaughlin. Allison fue combinada con Lesley, que era la madre de Dawn en el libro.

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